Une exposition essentiellement peinture devient rare de nos jours. A ce point qu'on a presque oublié de quel plaisir pour les yeux et l'âme on jouit en regardant une belle toile.

Je me promenais, je regardais, je souriais, je volais ... j'étais heureuse. Je me retrouvais dans le monde de couleur, d'idées, de sentiments en dialogue avec les toiles exposées.

Turner comme point de départ

Les peintures de William Turner (1775-1851), Marine avec tempête qui se lève menaçante, ca. 1840 ; Mer orageuse avec épave en flammes, 1856, constituent le point central de l'exposition. 

Le lien est l'utilisation de la couleur et de la composition au profit d'une expression maximale et personnelle. Turner, comme précurseur des tendances expressionnistes et de l'expressionnisme abstrait du vingtième siècle.  En témoignent les œuvres de Constant Permeke (1886-1952) et Emil Nolde (1867-1956), et de contemporains comme Anselm Kiefer, Miquel Barcelo et Marcel Maeyer, ici placées l'une à côté de l'autre en juxtaposition et en dialogue éternel et vif.  

Avec Turner, pour la première fois dans l'art, la couleur devient une force en soi ; isolée de l'objet la couleur devient objet. C'est dans la perception du spectateur que les formes et les couleurs se retrouvent et acquièrent de nouveau une signification. Le caractère rétinien, visuel marqué de Turner explique sa passion pour la lumière colorée par les différentes conditions météorologiques. Les quatre lignes principales  dans l'exposition : 
- la ligne émotionnelle
- la ligne rétinienne
- la ligne visionnaire
- la ligne narratrice
trouvent avec les peintures de Turner leurs 'ouvertures'.

 La ligne émotionnelle

William Turner, Gustave Courbet, Constant Permeke, Emile Nolde, Anselm Kiefer, Miquel Barceló, Marcel Maeyer.

Six toiles sont à admirer de Courbet. Le rocher isolé, ca 1862, nous emporte vers la création du monde, rocher insolite, au milieu du tableau, sous un ciel nuageux, sur une plage déserte avec une mer calme dont la force est soulignée par la matière du rocher.

Le talent de Courbet (1819-1877) s'exprime dans différents genres : le paysage, le portrait, la nature morte. Mais c'est dans la marine qu'on sent la force émotionnelle et dramatique du maître. Force qui a inspiré Louis Artan (1837-1890) dans la recherche de l'ultime marine durant  toute sa vie. Artan qui à son tour inspira Constant Permeke (1866-1952). Le spectateur qui n'a jamais été confronté avec les marines de Permeke peut trouver ici la surprise de sa vie. 

Permeke peint la mer en tons monochromes verts, bleus ou gris. En ocres verts, bruns, bronze, une touche rose pâle derrière les nuages. Avec des coups de pinceau bruts, sans hésitation il 'place' la mer sur toile comme il a fait avec le paysan dans ses paysages, robuste et dominant la nature.   Les marines montrées datent des années 1924-1936, donc après sa rencontre avec les oeuvres de Gust de Smet et de Frits Van den Berghe, qui ont subi l'influence de l'expressionnisme allemand et le cubisme.

Emil Nolde (1867-1956), membre du groupe 'die Brücke' à Dresde est le plus convaincant des expressionnistes allemands. L'emploi de la couleur chez Nolde transforme chaque tableau en une explosion extatique.  Ici présente avec 4 toiles.  Sirène, 1924, huile sur toile, 86.5 x 100.5 nous montre une femme, nue, longue chevelure blonde, assise au bord de la mer. Vue de dos, avec les mains croisés au haut de sa tête, elle est l'être sauvage, enfant de la mer, qui jouit de la force de l'eau qui éclabousse autour d'elle. Cette toile est un bel exemple de son art visionnaire, religieux.

Dans cette confrontation des peintres modernes et contemporains, l'expressionnisme extra-pictural de Anselm Kiefer (°1945 Donauschingen All.) trouve sa place à côté de la vérité tactile de l'œuvre de Marcel Maeyer (°1920 Sint Niklaas).

Merkaba – Les sept palaces du ciel, émulsion, huile, acrylique, gomme-laque et sept avions en plomb sur toile, 190 sur 500 cm, de Kiefer est un commentaire sur la destruction et le ridicule de la guerre. Heureux qu'en nos jours de désastres il y ait l'art pour s'exprimer franchement et se révolter contre la folie du pouvoir.

Dans Grand tableau-phare I,  huile sur bois, 150 x 122, Mayer peint avec 6 taches de couleur, vert-bleuâtre, rouge dilaté, gris-noir, bleu foncé-bleu clair un paysage avec au milieu une toute petite maison blanche avec toit rouge.  Une colonne qui réfère à l'antiquité, à gauche de la toile, domine la composition.  Signe de la continuité de l'histoire et de l'éphémère de la vie.

La ligne rétinienne

Wolvens  (1896-1977), qui à l'aide d'une peinture grasse, nourrie par l'atmosphère de l'eau, l'or du sable  et les couleurs chaudes de l'été, impressionne par la grandeur de l'image et les petits détails dans son oeuvre qui témoignent de la présence humaine.

Ralph Fleck (1951 Freiburg im Breisgau) correspond dans sa langue picturale avec l'atmosphère qu'on retrouve chez un Permeke ou même un Rothko. Il se sert des couleurs vibrantes, substantielles, il créé une luminosité frappante dans une facture forte.

En étudiant l'œuvre de Jan De Vliegher (°1964 Bruges), il est très évident que la peinture part d'une photo.  L'emploi de la photographie comme base pour une peinture se passa longtemps 'en cachette'. Au 19^ième siècle on connaissait  la querelle entre les 'photographistes' et les peintres ! Comme si c'était la preuve d'un manque d'inspiration de l'artiste. Maintenant, après une grande évolution, c'est  devenu une technique admise. C'est surtout l'emploi des couleurs vives et à partir de là, le transfert de l'émotion de l'action qui sautent aux yeux chez De Vliegher.

La ligne visionnaire

Léon Spilliaert, René Magritte, Gerhard Richter, Alex Katz, Luc Tuymans.

Visionnaire : ce qui se trouve, se cache derrière les choses.  Spilliaert  (1881-1946) – en contre lumière – crée  un sentiment de distanciation. En regardant,  on se sent attiré par le centre de la toile, on se trouve devant ET dedans. Une expérience très bizarre. Magritte (1898-1967) se sert de la mer comme contexte indéfinissable. Parfois comme peinture dans la peinture, parfois comme décor en soulignant la féminité de son sujet. Chez Tuymans (°1958 Mortsel), on voit la mer comme image collée  sur la rétine. Des tons flous, gris, qui changent de couleur, de profondeur  quand le spectateur bouge de gauche à droite devant la toile.

Douze toiles de Léon Spilliaert, dont diverses sortent des collections privées. Le lien spécial de Spilliaert avec la mer trouve son ultime extériorisation dans Marine bleue  et jaune, 1934. Une aquarelle et gouache sur papier, 49.3 x 68,3. Une surface bleue, coupée par des lignes qui semblent danser et vibrer dans le cadre.

Il y a aussi la  superbe toile de Gerhard Richter (°1932 Dresde), Marine (ciel nuageux) 1969. Dans les années 1965-1970 Gerhard Richter commençait de faire des peintures à l'aide de la photographie. Image trouvée, parfois une photo de presse, des snapshots, parfois ses propres photos, il agrandissait et reproduisait  la photo sur toile. C'est le résultat d'un besoin de rendre visible un sujet, sans expression. L'importance est de d'abord souligner un modèle de la perception, et ensuite la représentation de la réalité.

Dans la ligne visionnaire on s'éloigne de la valeur extérieure de l'image pour se concentrer sur la valeur intérieure de l'idée derrière l'image.

La ligne narratrice